Text in Textile -Rope of Hope is a multidisciplinary, interactive project that features fabric woven from recycled audio and video cassette tapes in conjunction with retro-reflective split yarn. Inserted within these woven and knitted structures are sensors that are triggered through interaction with the public.

These sensors will generate fragments of narratives from an archive of recorded interviews with recent immigrants to Montreal that I inherited from a sociologist/anthropologist, in conjunction with sounds and voices of a more personal nature. The stories had a strong impact on me. I did not want to lose this multivoiced history, and so I transferred them to digital format before beginning the weaving process. Text in Textile functions as a metaphor for the fabric of our society (both on a local and global scale), our interconnectedness as social beings, and a personal desire for communication and collaboration.

Texte en textile – Fils d’espoir est un projet interactif multimédia de tissages faits à partir de rubans de cassettes audio et vidéo au travers desquels est entrelacé de la matière affichée rétro réfléchissante. À l’intérieur de ces structures tissées et tricotées sont insérés des détecteurs de son dont le mécanisme est actionné lors de la présence d’un visiteur.

« Les détecteurs émettent des fragments de récits fournis préalablement par un sociologue/anthropologue, récits qui ont été enregistrés lors d’entrevues avec des immigrants nouvellement arrivés à Montréal. Dans les bandes audio se mêlent d’autres sons et d’autres mots plus intimes. Touchée par les histoires personnelles de ces gens et ne voulant pas laisser s’éteindre ces voix multiples, je les ai transférées en numérique avant même d’entamer mon processus de tissage. Texte en textile se veut essentiellement une métaphore des liens sociaux qui nous unissent (à la fois sur le plan local et à l'échelle mondiale) en étroite relation avec notre appartenance et notre besoin de communiquer et de collaborer. »

Cheng-Kee Chee has been the source of inspiration for Bardos Dobbek, a watercolorist influenced by the Asian water media traditions. She combines expressive brushwork with paper collages. These fragments are textured, tinted, deconstructed and recombined with found objects. A personal textual narrative is overlaid; the words evoke images that are highly charged with a social, spiritual and historical narrative.

For this exhibition tour she incorporates memories of her youth in Hungary. "Lately, it has become very important for me to connect to my roots, as my mother, the only person who can recount tales of Hungary, is ageing. I have collected memorabilia, clippings, photos, and nostalgic items that will be layered into and form the structural backbone of these multimedia works".

Cheng-Chee Kee est la source d’inspiration pour Bardos Dobbek, aquarelliste influencée par les techniques traditionnelles asiatiques à base d’eau.

Elle combine technique du collage et coup de pinceau expressif. Les fragments de papiers sont déconstruits, retravaillés, colorés et recomposés avec des objets trouvés. Des textes sont incorporés, chaque mot étant choisi pour sa connotation sociale, spirituelle ou historique.

Pour cette exposition, elle amalgame des souvenirs de jeunesse de sa Hongrie natale. ‘Dernièrement, je trouve plus important de renouer avec mes origines, puisque ma mère qui est la seule personne qui puisse encore me raconter des histoires prend de l’âge. J’ai fait des collections de petites curiosités, de coupures de presse, de photos et d’autres menus objets, tous sources de nostalgie, afin de les incorporer dans mes œuvres de techniques mixtes. »

In “Memories of Marsh dwellers”, the sacred images blend and separate against the eternal backdrop of the salt-water marshes and coastal vistas of New Brunswick & Nova Scotia. The surfaces of the works further reconnect with their source of inspiration as they are embedded with seashore matter. The structure of the works continues to be informed by Japanese Kakemono framing techniques and by medieval Ecclesiastical art. Within this framework, the coastal vistas are interlaid with personal narrative, and native myths of Glooscap.

The work and its process re-enact a ritualistic pilgrimage to sacred sites. Blanar's encounter 20 years ago with the salt-water marshes and mudflats near the Bay of Fundy ago was so transformative that she purchased a historic church near the Tantramar Marshes, and converted it to her studio and summer home. These coastal regions, unfettered by human concerns, are daily subjected to the cycle of cleansing and nourishment provided by the most powerful tides in the world. "Their vast spaces reassuringly confirm my insignificance within the order of nature, while paradoxically empowering me, by situating me concretely within that order. The marshes have become for me the focal point in which all of life’s experiences are reinterpreted."

Avec “Memories of Marsh dwellers”, (Mémoires des habitants des marais), c’est l'éternel fond des marais salants des zones côtières du Nouveau Brunswick et de Nouvelle Écosse qui est la source d’inspiration pour l’art sacré de Andrea Blanar. La structure des pièces qu’elle monte fait référence aux techniques de cadrage japonais Kakemono ainsi qu’à l’art religieux du Moyen-Âge. L’iconographie est celle de la côte : elle réunit des bribes de notes personnelles, des morceaux choisis pour leur aspect de mythologie primitive et des menus objets du bord de mer dans des assemblages de techniques mixtes. Ainsi fortement connotés, les objets incorporés conservent leurs caractéristiques tout en s’apparentant au travail in situ.

Le travail et le processus de Blanar sont une évocation de son pèlerinage traditionnel annuel où elle se rend sur les lieux du littoral Est du Canada qu’elle considère sacrés. La découverte, il y a une vingtaine d’années, des marais salants et des vasières dans la Baie de Fundy furent déterminants pour elle car elle ne tarda pas à faire l’acquisition d’une petite église près des Marais de Tantramar et elle y installa son atelier et y séjourne depuis tous les étés.

« Loin des préoccupations humaines, les régions côtières jouissent de conditions de renouvellement exceptionnel des sols puisqu’ils sont alimentés par les marées les plus imposantes du monde. Leur magnificence me sert de balises et me rassure sur l’ordre des choses; c’est là que les qualificatifs d’immigrant s’estompent et que je retrouve une confiance et une sérénité dans le grand Tout. Les marais sont devenus ma ‘demeure spirituelle in situ’, un lieu sacré où les autres expériences ‘in transit’ de la vie quotidiennes sont ressassées, reconfigurées et laissent une place à la guérison. »

Brzezinski presents photo montages from his latest series, "Gaspésie". These photos are contemplative works that explore the power of sacred iconic images. The mathematically balanced, symmetrical presentations recall the order in nature & explore the meaning of life. Through patterned repetitions, he develops a language that constantly reveals new layers of thought – new viewpoints. These orderly processions are counterbalanced by intimate views of domesticity, elevating these into grand themes. There is a certain encounter with the surreal, a mysterious entry into another realm that is unsettling –that poses questions that remain unanswered.

Brzezinski présente des photographies de sa récente série ‘Gaspésie’. Celles-ci explorent le symbolisme sacré et sont une invitation à la contemplation. Les compositions équilibrées et à symétrie quasi parfaite invoquent un ordre suprême et se veut un questionnement sur le sens de la vie. Par l’intermédiaire de la répétition des motifs, il développe un langage qui nous entraîne constamment dans de nouvelles errances-ouvrant de nouvelles perspectives. Ces successions bien ordonnées sont contrebalancées par l’apport d’objets familiers qui curieusement perdent de leur banalité, pour être investis de sens nouveaux. Nous pénétrons alors un monde surréel, sorte de percée dans une autre dimension troublante et dérangeante mais qui n’offre aucune réponse.

"In my work, I strive to reconnect with the timelessness experienced on the shore locations of Lake Balaton, and those along the coastal regions of NB. My youthful years in Hungary become connected to my present life in Canada – the solitude of this duality stays with me forever."

For this project I will explore the parallel that exists in the waterways that separate and connect us to our past and to each other.

« Pendant ma production, j’essaie de recréer une expérience hors du temps en ramenant à ma mémoire le temps passé sur le bord de l’eau que ce soit sur les abords du Lac Balaton en Hongrie ou sur la côte maritime du Nouveau-Brunswick. C’est ainsi que je réussis à fermer la boucle d’un parcours commencé dans mes années de jeunesse en Hongrie et qui se poursuivit jusqu’à ma vie présente au Canada – Malgré cela, la solitude engendrée par cette dualité ne me quitte jamais. Pour ce projet, je vais explorer les thèmes reliés aux cours d’eau afin de mettre en parallèle ce qui nous sépare ou nous unit à notre passé et ce qui nous relie aux autres »

"Nature has always played an important part in my life. I search for solitude within nature, spending weeks alone in a small log cabin on the shores of Lake Laberge in the wilds of the Yukon, without electricity and running water, exploring the many trails in Kluane National Park.

This return to nature allows me to reconnect with deeply rooted emotions. I see nature as a catalyst that stimulates an understanding of our humanity. In this new series, the physicality of this experience awakens a sense of meaning that is the equation of life.

This triptych is a memory painting and an emotional reaction to the devastation of the 1998 Fox Lake forest fire. My visit to the Yukon in the summer of 2008 coincided with the 10th anniversary of the burning of this massive area. I see hope in the rebirth of this environment which can also be interpreted as a metaphor of our lives today."

« La nature a toujours tenu une place importante dans ma vie. Je cherche l’isolement dans la nature, je passe des semaines entières seule dans une cabane de bois rond sur les bords du lac Laberge dans les territoires du Yukon, sans eau ni électricité, et là je pars à la découverte des nombreux sentiers du Kluane National Park.

Ce retour à des contrées inhabitées est l’occasion de renouer avec le moi profond. La nature m’apparaît comme le catalyseur qui seul peut mener à la compréhension de la nature humaine. Pour cette nouvelle série, je puise dans cette expérience concrète afin de trouver un sens à la vie plus proche du vrai. Le triptyque est une œuvre peinte de mémoire et se veut une réponse émotive au ravage causé par le feu de forêt de Fox Lake en 1998. Mon voyage au Yukon en 2008 coïncida avec le 10ième anniversaire de l’embrasement de cette région. Pleine d’espoir en ce qui a trait à la régénération de l’environnement, j’utilise le concept de renouvellement comme métaphore du quotidien »

"The exploration of cultural identity through the domestic materials of food and textiles has been a recurring subject. I have always considered my work as dealing with identity, especially ethnic and national identity.

As the daughter of immigrant outsiders in Canada, who themselves often disparaged the outsider gypsies in their village of Nyirodon, but then wondered if there was Romany blood in their veins, I feel compelled to understand the origins of peoples with no written history.."

« La recherche de traits identitaires à travers les produits domestiques et les textiles est le sujet récurrent dans mon travail. Je m’intéresse à l’identité individuelle surtout ethnique ou nationale.

Mes parents immigrants ne pouvaient voir les gitans du village de Nyirodon au-delà de leur différence même s’ils se demandaient parfois s’ils n’étaient pas eux-mêmes issus des mêmes lignées Romany. Pour ma part, enfant d’émigrants, j’ai une propension à vouloir comprendre l’origine de peuples dont l’histoire n’a pas été écrite ou ne nous est pas parvenue. »

THE KING WOMEN, LES FEMMES-ROIS started out as a true to life afternoon with six women painting their bodies and laughing with the pigment warming their flesh and carving their hair. After encouraging them to be natural while being a king and not 'a queen', we all immersed in an abstract painted room where the objective of my camera searched feverishly for raw expression. This laboratory rendered images that seemed like a check into a micro society, resembling natural socialization paths that are found in life everyday. How do people relate to one another? How do we take on roles to build a community? How does a ruler seem to rise naturally?

Finally I made a selection of photographs to exhibit. Finally, I transposed 13 of them into conventional oil on linen. I played a trick on myself and reintegrated conceptual figures into a classical technique. So I ask myself: is our experience of reality so linked to representation that we can never get out of our own culture? My work is about risk. I look for the unusual, for people and things that stir up awkward feelings. My art shows spring from urgency and improvisation. The end result of a painting installation is literally an imprint of a specific interaction between individuals where the differences between the ‘marked’ and the ‘marker’ are abolished.

Les femmes-rois (The King Women)

‘Painted in a corner by a dead medium’ (Lucinda Catchlove)

« Aventureuse, je prends des risques. Pas de pré conceptualisation, le lieu et les individus dictent l’œuvre à venir. C’est par l’examen de la dynamique spatiale prévue pour le dispositif pictural que je m’inflige à chaque fois un nouveau contexte de travail. Simple exécutante, je cherche des signes à transcrire. Je refuse les objets me ressourçant constamment dans l’échange avec l’Autre et avec les autres et ne sortant jamais du cadre de représentation humaine. L’autre est moi.

Pour les Femmes-rois, j’optai pour la contamination d’un médium par un autre. Je réunis six jeunes femmes et leur proposai de la peinture corporelle dont elle s’endurent deux par deux pendant que montait l’euphorie. Je leur expliquai qu’elles étaient des rois et non des reines. Puis elles entrèrent en relation les unes avec les autres dans une chambre close que j’avais entièrement peinte de formes abstraites et atmosphériques. Les impressions fusaient de toutes parts et ma caméra prenait frénétiquement des prises de vues. Sur toutes les photographies des échanges et des situations naissaient, tel un laboratoire de subjectivité interactionniste. Je choisis des représentations d’une personne seule dans un coin, d’un trio interagissant dans un autre…à la recherche des signes où pouvaient se manifester des jeux de pouvoir. Ce sont ces images que je transposai pour la première fois en peinture à l’huile sur une toile de lin (et, sans doute était-ce la dernière). Partie de la peinture, je suis retournée à la peinture. Je me demande encore aujourd’hui si, c’est possible de sortir de son cadre culturel puisque malgré ma volonté d’inventer des images de toutes pièces, mes yeux ne pouvaient voir que ce qu’ils connaissaient. »

Eva Ferenczy Reichmann's ceramic animations are rooted in Ottoman influences. The pieces' delicate projections become calligraphic scrolls and result in fantastic human and animal depictions that step right out of ancient manuscripts and tapestries. Her work reconnects with the rich Hungarian domestic art traditions.

For this exhibitions she creates a series of small wall-mounted sculptures, a micro installation from both earthenware and porcelain miniatures.

"All of us are limited by 'walls' and exist in restricted surroundings; we try to emerge and explore the outside from birth, leaving the security of that previous space. Some will venture out, even far beyond their home where safe walls protect them, while others choose to stay inside and observe with longing and are apprehensive to go out into the unknown: a magical journey."

Nous retrouvons des influences Ottomanes dans les figurines de Eva Ferenczy Reichmann. Les pièces à l’allure délicate rappellent les rouleaux de calligraphie et offrent des représentations fantastiques qui mêlent formes humaines et représentants du règne animal, le tout semblant sortir tout droit de manuscrits et de tapisseries anciennes. Son travail renoue avec les traditions d’art populaire hongrois.

Pour cette exposition, elle présente de petites sculptures composites, des installations miniatures en argile et en porcelaine.

« Nous créons des limites avec tous nos murs et nous vivons notre vie dans des intérieurs restreints : dès notre naissance, nous tentons de nous échapper afin d’explorer l’extérieur nous privant de la sécurité d’avant. Il y a les intrépides qui s’aventureront laissant derrière eux les murs sécuritaires et les autres observateurs envieux qui resteront dans la crainte de l’inconnu : une aventure magique. »

is an award winning Quebec landscape designer, mixed media artist and teacher. His environmental ecological interest is combined with his paintings and site-specific sculptural installations.

Geza presents an autobiographical installation with material related to his previous connection to Szentendre and Szigetmonostor, where his brother lives to this day. Recounting his first visit in the fall of 1956 during the post-revolution days, to his last sojourn in 2002, this site specific installation combines material from local resources with related work on handmade paper created in Canada. The materials used will combine lights and UV/lights to create a certain spatial relationship within a context related to land, home, roots, earth.

Hermann est un architecte paysager et un artiste en installations qui a reçu de nombreux prix. Il est aussi enseignant. Nous retrouvons ses intérêts pour l’environnement et l’écologie dans ses peintures et dans ses installations in situ.

Son projet est une installation de facture autobiographique et son matériel de travail fait suite à un début de processus entamé à Szentendre et à Szigetmonostor, où demeure son frère. C’est là qu’il a fait le compte à rebours de son parcours personnel, retraçant son entrée dans la ville dans les quelques jours qui ont suivi la révolution de 1956 jusqu’à son dernier séjour en 2002. Ses installations incorporent d’une part, des matériaux recueillis sur le sol hongrois et d’autre part, des œuvres en 2D sur papier fait main, fabriqué ici. Son dispositif d’installations inclut un éclairage d’appoint ainsi que de la lumière UV qui sert à faire des mises en espace afin de matérialiser les concepts du territoire, de la demeure, des origines et du sol.

Peter Horvath works in video, sound, photo and new media. Camera in hand since age 6, he immersed himself in digital technologies at the birth of the Web, co-founded 6168.org, a site for net.art, and adopted techniques of photomontage which he uses in his net and print based works. Exhibitions include the Whitney Museum Of American Art‘s Artport, Museo Tamayo Arte Contemporáneo (Mexico City), The 18th Stuttgarter Filmwinter (Stuttgart, Germany), FILE Electronic Language International Festival (Sâo Paulo, Brazil), Video Zone International Video Art Biennial (Tel Aviv, Israel), the Musée national des beaux-arts du Québec (Québec City, Canada), as well as venues in New York, Tokyo, London, and numerous net.art showings. He is the recipient of commissions from Rhizome.org at The New Museum, NYC (2005) and Turbulence.org New Radio and Performing Arts, Boston (2004). A founding member of the net.art collective Hell.com, he likes to consider a future when high bandwidth will be free.

Peter Horvath travaille les nouveaux media reliés au son, à la photographie et à la vidéo. Initié à la caméra dès l’âge de 5 ans, il embarque à pieds joints dans l’aventure numérique du WEB, il est cofondateur de 6168.org, un site spécialisé dans l’art du net et utilise les techniques de photomontage dont il se sert pour son site et ses impressions.

Son travail a été présenté à : Whitney Museum Of American Art‘s Artport, Museo Tamayo Arte Contemporáneo (Mexico City), 18th Stuttgarter Filmwinter (Stuttgart, Germany), FILE Electronic Language International Festival (Sâo Paulo, Brazil), Video Zone International Video Art Biennial (Tel Aviv, Israel), le Musée national des beaux-arts du Québec (Québec City, Canada), ainsi qu’à New York, Tokyo, Londres et dans plusieurs autres événements d’art net. Il a rempli des commandes pour le Rhizome.org, le New Museum, NYC (2005) et le Turbulence.org New Radio and Performing Arts, Boston (2004).

"Driven by my understanding of the female condition and the manifestations of injustice in patriarchy, issues of women’s social and sexual conditioning have formed the foundation of my practice. Additionally, the impact of the multiple uprootings and relocations to which I was subjected led me to examine the formation of identity and the immigrant experience of loss and displacement. While these issues have remained central to my practice over the years, the media in which I have worked have evolved from primarily three-dimensional to multimedia works on paper and to the digital photography of several recent series.

My current body of work draws upon a substantial personal archive and utilizes digital technology in the creation of self-referential constructed images. The Identities series (2007) of digital collages is informed by my ongoing displacement and residency in several countries, and incorporates old passport and ID photographs along with the text of a Catholic prayer I chanted as a child. Objects in the Identities works serve as metaphors for the occupations I had in various cities and countries, such as music student, seamstress, nanny, secretary, housewife, art student, and finally artist. These iconic visual references are underpinned by liturgical text in reference to the continued observance of Catholicism in my youth, the one constant I experienced in the various countries and cultures in which I lived."

« Guidée par ma compréhension de la condition féminine et des manifestations de l’injustice dans un contexte patriarcal, j’ai choisi de donner pour base à ma pratique les questions de conditionnement social et sexuel des femmes. En outre, l’impact des multiples déracinements et déménagements auxquels j’ai été soumise pendant la première moitié de ma vie m’a conduite à examiner la formation de l’identité et l’expérience du sentiment de perte et de déplacement chez les immigrants. Si ces questions sont restées au cœur de mon travail tout au long de ces années, les médias avec lesquels j’ai travaillés ont évolué de la 3D, principalement, aux multimédias, avec les travaux sur papier et la photographie numérique dans plusieurs séries récentes.

Le corps actuel de mon travail s’appuie sur d’importantes archives personnelles et sur la technologie numérique pour créer des images construites autoréférentielles. La série de collages numériques appelée Identities (2007) est imprégnée de mes déplacements et de mes séjours dans divers pays ; elle intègre de vieilles photos de passeport et d’identité au texte de litanies catholiques que je chantais dans mon enfance. Les objets, dans les éléments d’Identities, servent de métaphores des fonctions que j’ai occupées dans différentes villes et pays telles qu’étudiante en musique, couturière, gardienne, secrétaire, ménagère, étudiante en arts plastiques et pour finir artiste. Ces références iconiques visuelles sont étayées par un texte liturgique en référence à l’observance continue du dogme catholique dans ma jeunesse, la seule constante ayant prévalu dans tous les pays et cultures au sein desquels j’ai vécu.»

"Childhood Memories of Budapest", echoes days gone by, with texts from whimsical Hungarian popular songs. It also reflects the troubled times of the Revolution of '56, my lost youth, of escaping our beloved Hungary and the subsequent hospitalizations, of pain and anguish. The melodic tunes tell their tale of more joyous days forever embedded in the history of Hungary. The veil that shrouds the main figure represents the past of Hungary- held hostage.

« Les ajouts de textes de chansons populaires hongroises fantastiques, ‘Childhood Memories of Budapest’ évoque une époque ancienne. Ma peinture veut remémorer la période trouble de la Révolution de 1956, ma jeunesse perdue, la sortie forcée de notre bien-aimée Hongrie, mes hospitalisations qui ont suivi et surtout la douleur et l'angoisse qui accompagnèrent le tout. Les chansons douces racontent l’histoire de temps meilleurs, temps inscrits à tout jamais dans la mémoire collective des Hongrois. Le voile qui enveloppe la figure principale représente tout le passé de la Hongrie - tenue en otage. »

Istvan Kantor's work has been described as intellectually rebellious, anti-authoritarian, as well as technically innovative and highly experimental. His action based media art explores the body and technology.

Also known as Monty Cantsin Amen!, he has recently infiltrated Berlin's underground art and music scene, performing his karaoke style revolutionary-songs at such highly rated secret gardens as the KingKongKlub, Eschschloraque and Karmanoia. In october/2008 Kantor/Cantsin was seen waving a red flag in the streets in Ottawa, Toronto, and Calgary. He also appeared as special guest at the Festival du Nouveau Cinema in Montreal and at the 25th anniversary of the Documentary Film and Video Festival in Kassel, Germany.

Kantor studied medical science in Budapest. He lived in Paris, Portland, New York, London, Berlin and presently is a resident of Toronto where his three children, Jericho, Babylon and Nineveh were born in the 90's.

In collaboration with legendary correspondence artist David Zack, Kantor launched the Monty Cantsin open-pop-star project in Portland, Oregon in 1978. He initiated the international operations of Neoism in 1979 in Montreal. In the mid 80s he relocated to New York, re-emerging as "self-appointed leader of the people of the Lower East Side".

He has been arrested and jailed many times. He is also a recipient of the Governor General’s Award of Canada for Visual and Media Arts (2004).

His work for RE:InSitu will comment on the power and authority of today’s broadcast technology and will explore his long-term initiative to redefine the body as a transmission device using various forms of expression from performance to video via broken furniture, fire and works on paper.

L’œuvre de Kantor est reconnue pour son caractère rebelle allant à l’encontre de l’autorité. Kantor est aussi reconnu pour être techniquement novateur et hautement expérimental. Son art multimédia basé sur l’action explore le corps et la technologie.

Connu aussi sous le nom de Monty Cantsin Amen!, il a récemment infiltré la scène artistique et musicale alternative de Berlin, performant avec des chansons révolutionnaires de style karaoké dans les clubs privés select comme le King Kong Klub, l’Eschschloraque et le Karmanoia. En octobre 2008 on a pu apercevoir Kantor/Cantsinon agitant un drapeau rouge dans les rues d'Ottawa, à Toronto ou à Calgary. Il a également été invité récemment au Festival du Nouveau Cinéma de Montréal et au 25e anniversaire du Festival du film et vidéo documentaire à Kassel, en Allemagne.

Kantor a étudié la médecine à Budapest. Il a vécu à Paris, Portland, New York, Londres, Berlin et vit actuellement à Toronto avec ses trois enfants, Jericho, Babylone et Nineveh tous nés dans les années ‘90.

En collaboration avec son compagnon artiste David Zack, Kantor a lancé le projet open-pop-star de Monty Cantsin à Portland, Oregon, en 1978. Il a initié les activités internationales du Néoisme en 1979 à Montréal. Au milieu des années ‘80, il a déménagé à New York, émergeant à nouveau comme ‘chef de file autoproclamé pour les gens du Lower East Side’.

Il a été arrêté et emprisonné à plusieurs reprises. Il est également récipiendaire du Prix du Gouverneur général du Canada pour les arts visuels et médiatiques (2004). Les propos pour Re: InSitu concernent d’une part le pouvoir et le contrôle des médias d’information et d’autre part le corps, démarche incessante de redéfinition de ces paramètres. Pour Kantor, le corps est une voie de transmission, un médium et par l’entremise de meubles cassés, de feu et d’œuvres sur papier, il explorera différentes formes d'expression dont la performance et la vidéo.

Klugerman's woven hangings push the boundaries of printmaking by re-inventing printed images to become scrolls and tapestries. Weaving strips of prints through screens, changes the dynamics of the two-dimensional surfaces to tactile images that undulate across and down the gallery walls.

For this series, "On the Danube", she weaves in the calligraphic texts of Hungarian poems that she learned as a child.

Les murales tissées de Klugerman poussent les limites de la gravure en réinventant l'image d’impression afin d’en faire des œuvres suspendues manière tapisseries. En tissant des bandes imprimées au travers d’une trame, elle change la dynamique de la surface imprimée pour en faire des œuvres tactiles qui ondulent sur tous les murs de la galerie.

Pour sa série, ‘Sur le Danube’, elle tisse les mots des poèmes Hongrois qu'elle a appris étant enfant.

The works I present have an aboriginal source, the rituals and dances as forms of consciousness are interwoven both spiritually and concretely into the textiles.

"What is real is not the external form, but the essence of things," (Brancusi, the Romanian sculptor.) The transition from colour into grey, "mind - no mind = colour - no colour", are echoes of what ought to be versus what actually is. This triggers my relationship with nature.

Utilizing drawings, photographs, and paintings, which have been digitized, my exploration then takes me into the process of printing on fabric, and these textiles are then reconstructed with thousands of stitches that redefine the work, creating a three-dimensional textured and painterly work.

« Les œuvres que je présente s’inspirent de la culture autochtone, de rituels et de danses qui sont imbriqués dans l’esprit mais aussi concrètement dans le textile comme autant de formes de conscience.

‘Ce qui est le réel ce n'est pas la forme externe, mais l'essence des choses’ (Brancusi, sculpteur roumain.) La transition de la couleur au gris, (où ‘esprit et sans esprit’ équivaut à ‘couleur et pas de couleur’), prend son sens dans ce qui devrait être et non dans ce qui est véritablement. C’est cette équation qui génère ma relation avec la nature.

Utilisant des dessins, des photographies et des œuvres peintes numérisés, mon exploration se poursuit par l'impression sur tissu, pour finir avec des textiles qui seront ensuite reconstitués à l’aide de milliers de points de couture qui redéfinissent le travail et dont l’aboutissement final sera une œuvre tridimensionnelle texturée mais aussi picturale. »

His drawings are out of the ordinary and he takes pleasure in mixing them with photography in what he calls "dialectic surrealism."

For him photography is a gold mine, drawings are freedom itself and he evolves between the two without giving either priority. This way he keeps control of a continuous movement full of discoveries of which he is the first to be bewildered. Each time, there is meditation – the right of the first night (ius primae noctis) and then follows the suffering: it is as if each of his pictures came to life through his efforts of a delivery, torn out from the deepest organs of the soul.

Ses dessins se distinguent de tous les autres et il prend plaisir à mêler photographie et dessin afin de rendre ce qu’il appelle " une dialectique du surréalisme". Pour l’artiste, l’imagerie photographique est intarissable alors que le dessin représente la liberté, c’est pourquoi il évolue entre les deux médias sans en favoriser aucun. C’est de cette manière qu’il garde le contrôle sur ce flux ininterrompu des possibles cherchant à se surprendre lui-même. Il pratique aussi à chaque fois la méditation – le privilège de la première nuit (ius primae noctis) suivi malheureusement de souffrance: c'est comme si chacun de ses tableaux naissait dans le labeur avant d’accoucher, comme si arraché des entrailles de son être » Extraits de Gabor Cseke, journaliste.

Ropeleski is interested in the relationship between the context and subject of a painting and the questions provoked by the subtle tension that exists within the relationship of their respective meanings. "My position is that the illusion beheld in painting has a transformative effect on the space that surrounds it. Not only does the painting hypothetically project through the gallery wall, but it reflects the gallery's environment and the psyche of those who engage with it. Painting has the equal potential to create an atmosphere and concurrently reflect the space of the gallery.

In White Noise, the paintings depict me in a sort of gesture that is not falling nor floating on a white plane. Through the use of over life size scale and the context of the gallery, I am inviting the viewer to imagine a new space. The picture plane challenges space in that it disappears at times as it is outside of the viewer’s peripheral vision and re-asserts itself in selected places through the use of color and contrast. The manipulation of scale and the repetition of imagery suggest a fictitious context for the work. The figures are rendered to a point where they concurrently suggest reality and fabrication. They are positioned at the intersection of perception and imagination."

Ropeleski s'intéresse aux liens entre contexte et sujet et s’interroge sur la tension sous-jacente au sein de la confrontation de l’un et de l’autre. "Je pense que l'illusion qui est vitale en peinture produit un effet et transforme l'espace environnant. Non seulement le tableau affecte les murs de la galerie, mais elle reflète aussi la position de la galerie et l’esprit de ceux qui ont passé l’œuvre sous examen. En conclusion, la peinture a le pouvoir de générer un climat autour d’elle alors même qu’elle reflète l'espace dans lequel elle s’insère.

Dans Bruit blanc, les peintures me représentent dans une sorte de gestuelle qui ne s’apparente ni à la chute ni au flottement sur un avion blanc. Mettant à profit le contexte de la galerie et privilégiant le surdimensionné, j’invite le spectateur à inventer de nouveaux espaces. L’espace-tableau est remis en question par une exploitation de la surface plane où les contrastes s’estompent et les couleurs disparaissent de la vue périphérique du spectateur pour rejaillir ailleurs. Les échelles de grandeur et la répétition des formes suggèrent un contexte fictif dans le tableau alors que les figures sont volontairement ambiguës se situant à mi-chemin entre réalisme et fiction.

practicing artist with an active international and national exhibition record, her installation works employ multi-media techniques, often with cryptic texts to articulate cultural issues of disjuncture and perception. She is particularly interested in the intersection of public and private histories. Singer was born in Budapest, Hungary and received an MFA Honours from York University, Toronto and a BA from McGill University in Montreal. She is an Associate Professor and the Graduate Program Director of visual art at York University. She is also a prolific artist known for her site-specific installations.

The Trouble with Translation is a single channel DVD video installation that consists of a series of disconnected images and text that collage irony, personal narrative cultural and historical references.

Language is the central metaphor for the themes of dislocation, immigration, identity in the video installation, The Trouble with Translation.

There is a non-sync that hits us particularly with jokes in a foreign language. We’re not in on them. We haven’t a clue as to what’s going on. The gales of laughter and guffaws intensify the awareness of being left out. This constitutes one facet of translation that is explored in The Trouble with Translation. Language as the basis for the formation of thought, memory, consciousness, and identity and as a metaphor for communication, miscommunication is another aspect of the translation problem that we experience in the video installation.

Singer est une artiste prolifique qui a son actif de nombreuses expositions nationales et internationales. Elle utilise souvent des textes illisibles dans des installations multimédia afin de questionner les enjeux du déracinement et de la perception qui y est associée dans un tel contexte culturel. Elle est particulièrement intéressée aux liens entre le public et le privé. Née à Budapest, en Hongrie, Singer a terminé une maîtrise avec distinction à l'Université York, Toronto et un baccalauréat en Arts à l'Université McGill à Montréal. Elle est professeure agréée et directrice du programme d'Études supérieures des Arts visuels à l'Université York. Singer est aussi renommée pour ses œuvres in situ.

The Trouble with Translation. (Le problème avec la traduction) est une installation vidéo à un seul moniteur qui consiste en une série d’images et de textes fragmentés qui expriment l’ironie tout en dévoilant des particularités culturelles et historiques personnelles.

La langue est la métaphore de départ pour aborder les thèmes liés au déracinement, à l’immigration et à l’identité dans l’installation vidéo, The Trouble with Translation.

Il y a particulièrement un décalage de sens plus facile à remarquer lorsque nous entendons des blagues dans une langue étrangère. Nous ne sentons pas dans le coup. Nous n’avons pas le moindre indice de ce dont il s’agit. Les éclats et les pouffées de rires nous rappellent que nous ne sommes pas dans le même cercle. Ceci constitue une des facettes de la traduction qui est traitée dans Le problème avec la traduction. La langue en tant que siège de formation de la pensée, de la mémoire, de la conscience et de l'identité est une métaphore de la communication. La mauvaise interprétation est un autre aspect du problème de traduction qui vient déranger en installation vidéo.

"La condition humaine" and spirituality remain the main subject of his drawings. His works on paper draw on influences such as popular naive art of the Transylvanian region and sacred Byzantine art.

Considering the technical and formal aspects, and undertaking the risk of interpretability, one could get closer by introducing the proper antithesis of concepts such as: rational/irrational, trivial/sacred, including the archaic primitive elements of contemporary cultures. Thus each pictorial element being a stylistic motive: whether a photo, a figural stamp, gold colour, delicate gesture, calligraphy or simple sketching. They all gain symbolic meaning, opening an associative field thus one could say 'symbolized life and manifestations.'"

"La condition humaine" et la spiritualité sont les thèmes principaux des dessins. Les œuvres sur papier, tirent des influences diverses de l'art populaire naïf de Transylvanie et de l'art sacré Byzantin.

Compte tenu des aspects techniques et formels et des risques d’interprétations erronées, introduisons de prime abord les concepts antithétiques tels que rationnel/ irrationnel, futile/sacré, tout en incluant des éléments archaïques primitifs de nos cultures contemporaines. Ainsi, chaque élément pictural est un motif stylistique: soit une photo, un timbre avec image, la couleur or, le geste délicat, la calligraphie ou la simple esquisse. Tous ceux-ci gagnent une valeur symbolique lorsqu’ils laissent place à une large marge interprétative et permettent de conclure:‘ Vie sémiotisée et manifestations ».

"As a child in Hungary, I grew up with charcoal, and pencils, greatly encouraged by George Roman, a painter and an author. We emigrated in 1958 and as a teenager I continued my art studies to eventually earn Fine Arts degrees from Concordia University.

The vogue was the hard edge painting of Yves Gaucher and Guido Molinari, but I reverted to my childhood memories and landscapes. Despite a lifetime with a multitude of images of remarkable scenery, the Var or the Svabhegy retained their hold and I continued to return to these memories both on canvas and on paper. These memories of sky and grass in Hungary now blend with the Tantramar Marshes near the Bay of Fundy and their equally compelling ever changing landscapes."

« Lorsque j’étais enfant en Hongrie, j'ai grandi avec le fusain et les crayons, fortement encouragée à m’exprimer par George Roman, peintre et auteur. Nous avons émigré en 1958 et, pendant mon adolescence, j'ai continué à étudier l’art jusqu’au jour où je fus diplômé en Arts visuels à l'Université Concordia.

La tendance était à la touche sèche d’un Yves Gaucher et d’un Guido Molinari, alors je suis retournée à mes souvenirs et à mes paysages d’enfances. Malgré la vue de paysages sublimes autour de moi, le Var ou le Svabhegy ont continué de m’habiter et mon habitude est de retourner sans cesse à ces fixations et de les jeter sur papier et sur canevas. À ces visions de ciel et de champs de la Hongrie se mêlent maintenant des images fluctuantes plus récentes telles qu’observées plus récemment dans les Marais de Tantramar près de la Baie de Fundy ».

Sheila Szabo Butler's installation is bookwork with a folded drawing mounted inside the book. The book is displayed on a small shelf on the wall and the drawing unfolds and hangs extended from the open book. The title of the bookwork is: "From The Memory of Birds in Times of Revolution by Breyten Breytenbach".

My son-in-law's parents came to Canada from South Africa. From them, I became acquainted with the writing of Breyten Breytenbach, a prominent South African author who writes many of his works in the Afrikaans language. During the apartheid era, he was imprisoned for a long period due to the political positions he defended in his writing. The title of his book about "Memory of Birds" and his speculations on the power of Language suggested to me a very relevant place to begin my work altering Volume "L", taken from a set of encyclopedias."

L‘installation de Sheila Szabo Butler est un livre d’art dans lequel est inséré un dessin sur papier plié. Le tout est présenté sur une petite étagère avec le dessin qui pend dans les airs et rattaché au livre. Le titre en est "From The Memory of Birds in Times of Revolution by Breyten Breytenbach". (Tiré de la Mémoire des oiseaux en temps de Révolution’’ de Breyten Breytenbach).

Mes beaux-parents sont venus au Canada en partance de l'Afrique du Sud. Par leur entremise, j'ai découvert l’écriture de Bretenoux Breytenbach, un auteur réputé de l'Afrique du Sud dont plusieurs œuvres sont écrites dans la langue Afrikaans. Pendant l'apartheid, il a été incarcéré pendant une très longue période pour ses points de vue politique défendus dans ses livres. Le recueil qui traite de la "Mémoire des Oiseaux" et ses réflexions sur le pouvoir de la langue ont été pour moi un éveil à la langue. Je débutai donc mon travail en modifiant le volume L d’une série encyclopédique.

The subject of my work has always been the human body. Depending on the nature of the project, I alternate between taking my own photographs and making collages from my own or found photographs.

Portraits, 2005-2008, is a series of small collages made by cutting up and combining portraits from second-hand books and magazines. They attempt to show a more subjective view of a head, as opposed to what the outside appearance of the head looks like. In other words, I reconfigured various photographs of heads to create portraits of emotions rather than of individuals. I have often thought that if a portrait could reveal how we feel inside, it may not necessarily depict a head with such a simple and symmetrical layout of two eyes, two ears, one nose and a mouth. The portrait would surely, on occasion, be a disorganized, fragmented and layered mess, a stew of somber and bright features that reflect clear, orderly thought as well as confused stream of consciousness.

« Le sujet de mon travail a toujours été le corps humain. Selon la nature du projet, je m’offre la possibilité soit de réaliser des autoportraits ou de réaliser des photos montages à partir de mes propres photos ou encore à partir de celles trouvées.

Portraits 2005-2008 est une série de petits collages, faites de découpures de portraits puisés à même des bouquins et des revues achetés dans des magasins de récupération. Mon objectif est de présenter la subjectivité d’une personne photographiée au lieu de son apparence. En d’autres mots, je fabrique de nouveaux portraits qui nous présentent le profil psychologique des personnes plutôt que le physique. Je me suis souvent dit que si jamais un portrait parvenait à révéler la personne dans son for intérieur, nous n’aurions pas un tel étalage de compositions et de symétries simplistes qu’offrent les deux yeux, les deux oreilles, un nez et une bouche. Le portrait serait sans doute un fatras de strates fragmentées et disparates, un fouillis de clair-obscur exposant tout autant une pensée nette et ordonné qu’un flux diffus de la conscience ».

Born in Budapest, Gabor has lived in Quebec since 1959, first working as a photo artist for the national Film Board, documenting Quebec’s rural life. Later his topic was Montreal’s streets and always a return to his poignant iconic portraits of Quebecers that are depicted over time. More recently he researches his roots, the architectural structures of Budapest. He has had a long career as teacher of photography ending with his retirement from the Faculty of Fine Arts of Concordia University. With an illustrious career of over 30 solo international exhibitions, he is considered to be one of Canada’s most respected and gifted artists.

Né à Budapest, Gabor vit au Québec depuis 1959. Il travaille d’abord comme artiste photographe pour l’Office national du film, documentant la vie rurale au Québec. Ensuite, même lorsqu’il changera de sujet et qu’il photographiera les rues de Montréal, il reviendra toujours à ses portraits poignants et mythiques de Québécois évoluant au fil des jours. Plus récemment, il est retourné à ses racines et s’est intéressé aux fondements architecturaux de la ville de Budapest. Szilasi a eu une longue carrière comme professeur de photographie avant de se retirer de la Faculté des Arts de l'Université Concordia. Grâce à une carrière brillante avec au-delà de 30 expositions solo internationales, Gabor Szilasi est considéré comme l'un des artistes les plus respectés et des plus talentueux au Canada.

creates a family installation with her husband, Istvan Zsako and her sons Balint and David Zsako. All four are practicing visual artists who create characters that illustrate tales of archetypal experience.

"I want to use this opportunity to revisit Hungary as an exhibiting artist. I left that country twenty years ago, at the beginning of my professional visual art career, and eventually established my practice in Canada. It would be significant for me to explore the connections between the country I started my art career in and the country in which I established my reputation.

I combine drawings, collages, paintings and sculptures made by my family to create a site specific installation. My husband, Istvan Zsako and my sons Balint and David Zsako are all practicing visual artists. Our artistic relationship is an intangible connection of shared aesthetics and experiences, and creating a collaborative work in Hungary would demonstrate the tensions and inspirations of our old and new life, the differences and similarities between generations and the varied approaches to the creative process."

Torma a conçu une installation de groupe qui intègre sa famille, son mari, Istvan Zsako et ses fils Balint et David Zsako. Tous artistes, ils aiment créer des personnages archétypaux sortis tout droit de contes et légendes.

"Je veux saisir cette occasion pour revoir la Hongrie, en tant qu’artiste. J'ai quitté le pays, voilà vingt ans, en début de carrière artistique mais c’est au Canada que j’ai finalement constituer les assises de ma pratique. Il serait intéressant de chercher des fils conducteurs qui relieraient mes premières tentatives en art dans mon pays d’origine et mon corpus actuel dans le Canada où je me suis fait connaître.

Je vais rassembler des dessins, des collages, des peintures et des sculptures exécutés par ma famille, avec notre œuvre de collaboration en tête. Nos relations interpersonnelles familiales quoique impalpables puisent à même nos aspirations communes et nos expériences esthétiques partagées, par conséquent une œuvre faite en collaboration dans notre pays natal sera sûrement une expérience fructueuse dans laquelle feront aussi surface les angoisses et les forces de notre vie passée et nouvelle, les tensions entre jeunes et séniors et entre les différentes approches du processus créateur que chacun a adopté.

Tamas founded Artesian Films in 1989, through which he has directed and produced 11 films of all genres, from fiction to dance films, but mostly documentaries. His most recent production is Travelling Light: Artists on the move, a road documentary on modern-day nomadic artists.

He curates the Film and Video Festival, a selection of approximately 30 films made by Canadian- Hungarians.

Il est le commissaire du Festival du film et de vidéo qui comporte une sélection d'environ 30 films réalisés par des Canadiens d’origine hongroise.

Istvan Zsako finished the Academy of Fine Arts in 1984 in Budapest. . He immigrated to Canada with his family in 1986. In 1988 he won the Scholarship of Rome. He has taught at Burlington Art Centre, ON, has curated exhibitions and won numerous awards. He now lives with his artist –wife Anna Torma on a seaside farm in NB.

His bronze sculptures are women, warriors and birds. Recently he started to make drawings and paintings based on readings from cosmologists like Carl Sagan and Stephen Hawking. In the symbolic and pictorial language, his work locates our place in the vast universe, encouraging the viewer to embrace and share with him his joyful amazement at each scientific revelation. The series abounds with texts and numbers which he playfully reassembles, showing the size, speed and distances of the celestial bodies and the galaxies. He invites the viewer to visualize these hardly imaginable dimensions.

Istvan Zsako a été reçu à l'Académie des Beaux-arts de Budapest en 1984. Il a immigré au Canada avec sa famille en 1986. En 1988, il a remporté le Prix de Rome. Il a enseigné au Centre d'art de Burlington, ON, a organisé de nombreuses expositions et a remporté de nombreux prix. Il vit maintenant avec sa conjointe artiste Anna Torma sur une ferme au bord de la mer au Nouveau-Brunswick.

Ses sculptures en bronze représentent des femmes, des guerriers et des oiseaux. Suite à des lectures sur la cosmogonie écrites par des auteurs comme Carl Sagan et Stephen Hawking, il a commencé à dessiner et peindre sur le thème du cosmos. En langage pictural, son œuvre part à la recherche de la place de l’être humain dans l'univers. Son souhait est de partager son émerveillement avec le spectateur lors de nouvelles découvertes scientifiques. La série abonde en écritures et signes graphiques réunis de façon fantaisiste afin d’offrir des vues de l’esprit qui permettent une mise en relation du micro et de la macro, de nous aux objets célestes et intergalactiques. Il veut donner la chance au spectateur d’imaginer ce qui autrement est irreprésentable.

Whether illustrating themes of dark grotesquery or light hearted metaphor, each drawing – composition tells its story using a vocabulary of bright colors and accessible symbols. Tales of love, hope, death, failure and futility are explored. Balint’s creations have had enormous success in New York, where his work frequently appears in Oprah and the New York Times Magazines.

Que ce soit pour illustrer des thèmes de sombres grotesqueries ou de métaphore léger, chaque dessin - composition raconte son histoire en utilisant un vocabulaire de couleurs vives et de symboles accessibles. Sont explorées des contes de l'amour, de l'espoir, de la mort, d'échec et d'inutilité. Les créations de Balint ont eu un énorme succès à New York, où son travail apparaît fréquemment dans Oprah et le New York Times Magazine.

"My family left Hungary when I was very young, during a transitional phase in the country’s history. The Hungary I revisited in the summer of 2006 is a different world than the one I had left as a little boy.

With 'Limited Memory', I traveled to places that go back several generations in my ancestry, and revisited people from my childhood including family members and friends. I have created a series of images, part biographical and part documentary, to get a sense of how people in a rapidly developing nation, (with whom I have deep personal connection with), are coping with hastened infrastructural growth and industrial advancement, while at the same time dealing with a deteriorating economy.

I have used the medium of photography and the aesthetics of selective coloring to convey a sense of struggle between fact and memory. Each photograph is a narration of cold remembrance intertwined with a dose of emotional weight, that when viewed as a whole, speak of my journey to rediscover my past in the present."

« Ma famille a quitté la Hongrie quand j'étais petit, profitant d'une phase d’accalmie politique pour quitter le pays. La Hongrie que j'ai revue à l'été 2006 est un tout autre univers que celui que j’avais laissé derrière dans mon jeune âge.

Pour “Limited Memory”, je me suis rendu dans des endroits où vivent encore mes ancêtres de plusieurs générations. J’y ai rencontré des gens de mon enfance, des membres de ma famille et des amis. J'ai regroupé des séries d’images, en partie biographiques et en partie archives, pour chercher à comprendre comment un peuple vivant sur un territoire à forte croissance (peuple qui m’est profondément cher) comment il arrive à faire face au développement accéléré de son industrie et de ces infrastructures alors que l’économie est en pleine décroissance.

J'ai utilisé le médium de la photographie et la technique de la coloration sélective afin de souligner le choc entre les choses factuelles et celles qu’on a emmagasinées dans la mémoire. Chaque photographie est une suite narrative de détails du passé à laquelle vient s’ajouter une charge émotive présente, illustration d’un passé à l’intérieur du présent. »

The installation expresses the Magic of earth meeting potter's wheel. The resulting spontaneous images come from the depths of the earth or spring from riverbeds. The pile of rocks and pebbles, recall the "Duna kavics" from Hungary and the polished stones found on the Canadian shores of lakes and rivers.

The installation is a metaphor of a journey, re-visiting a time - place I have come from and have arrived to in the now. The points in time are connected; the memories are gathered into a treasury of pebbles. It also expresses states of mind.

The sizes, shapes, textures and colors vary. Some stones are neatly cut in two, will reveal another stone inside, two rocks melting into one. Others explode their contents or through their jagged edges, reveal their inner world.

« L'installation sert à exprimer la magie de la terre faisant une rencontre extraordinaire avec la tour du potier. Les images subséquentes proviennent des entrailles de la terre ou peuvent jaillir du lit des rivières. Les roches et les cailloux empilées rappellent la "Roche du Danube» mais aussi les pierres polies trouvées ça et là sur les berges des rivières et des lacs du Canada.

L'installation est une métaphore du voyage, revisitant un temps lieu d’où je viens, mais où je retourne aussi dans le moment présent. Tout est relié dans le temps, les souvenirs sont fusionnés à la récolte précieuse de cailloux. L’installation exprime les états d’âme.

Volumes et formes diverses, textures multiples et couleurs abondent. Certaines pierres sont quasiment coupées en deux, d’autres révèlent une autre pierre à l’intérieur, deux pierres fusionnent en une seule, incorporer et non éliminer, d’autres font éclater leurs intérieurs et d’autres encore nous font entrevoir leur matière intrinsèque grâce à des arêtes irrégulières. Pas des pierres figées; elles peuvent toujours être refaçonnées, être changées de place, peut-être même replacés par la suite, semblables à nous tous, qui sommes à tout jamais en transformation. »